In an era where the algorithmic sheen of “frictionless interiors” and “seamless transitions” dominate, leather details almost feel transgressive. An inherently slow material, the processes required for leather’s architectural application are stubbornly analogue. Yet, walk into a room detailed by Bill Amberg Studio and the impact is immediate. The air registers a gentle, earthy scent. Sounds land differently. Surfaces that are often overlooked beg fingers to run along them. Against the churn of design trends, Amberg’s work insists that human senses matter in architecture.
프로그래밍된 매끈함이 지배하는 “마찰 없는 인테리어”와 “이음새 없는 전환”의 시대 속에서 가죽의 디테일은 거의 금기에 가까운 것처럼 느껴진다. 본래 느리게 작동하는 재료인 가죽의 건축적 적용에 필요한 공정은 여전히 아날로그에 머물러 있다. 그러나 빌 앰버그 스튜디오가 설계한 공간에 발걸음을 들여놓자마자 그 영향은 즉각 다가온다. 공기는 은은하고 흙냄새를 띠며, 소리 역시 다른 방식으로 받아들여진다. 종종 간과되곤 하는 표면들은 손가락이 스치도록 유도하고, 설계 트렌드의 소용돌이 속에서도 이 작업은 건축에서 인간의 감각이 얼마나 중요한지가 분명히 드러난다.
Resistance to speed and disposability — to the flattening of visual culture — isn’t inherently nostalgic. In this case, it emerges from a craftsman’s studio, one where leather is revered as a complex trade with architectural applications that go beyond upholstery or accent. Unfolding from London to Miami to Nevada to Brooklyn, the studio’s contemporary commissions testify to this singular approach, with rooms calibrated through grain, stitched edges that read like spatial notation, and surfaces that hold light with the quiet authority of something living.
속도와 일회성에 대한 저항, 그리고 시각 문화의 평준화에 대한 저항은 본질적으로 향수를 불러일으키려는 의도는 아니다. 이번 경우에는 한 명장의 스튜디오에서 그 정체성이 드러난다. 가죽을 단순한 덮개나 포인트가 아닌, 건축적 용도까지 아우르는 복합 기술로 존중하는 공간이다. 런던에서 마이애미, 네바다, 브루클린으로 이어지는 이 스튜디오는 현대 의뢰를 통해 그 독특한 접근법을 증언한다. 질감으로 공간을 다듬고, 공간적 표기로 읽히는 재봉선이 있으며, 살아 있는 것처럼 빛을 품는 표면으로 공간의 분위기를 조율한다.
이 효과들은 여러 직종에서 차용한 기술 어휘에 의존한다. 가죽공예, 제본, 케이스 메이킹, 업홀스터리 — 모두 가죽과 인접한 분야들이지만 한 작업대에서 함께하는 경우는 드물다. 앰버그는 의도적으로 그러한 경계를 허문다. “가죽은 여러 종류가 있고, 그 종류에 따라 다양한 기술이 있다,” 그가 설명한다. “그리고 내 세계에서 그 둘은 결코 만날 수 없다. 그러나 나는 그것들을 해체한 뒤 다시 조립하는 것을 즐긴다.”
So, Amberg’s studio splices these worlds together. “I like to take something from an idea from bookbinding and put it into a cabinet. And that might be the material or the technique or just meshing them together to make something really unusual and beautiful.” An experimental spirit is integral to the studio’s ways of work. Recently, they have been exploring formed timber substrates from a Finnish maker, where heat and pressure raise the wood into blistered reliefs wrapped in burnishable leather.
그래서 앰버그의 스튜디오는 이 두 세계를 하나로 엮는다. “제본에서 나온 아이디어를 수납장에 적용하는 것을 좋아한다. 그것은 재료일 수도 있고 기법일 수도 있으며, 혹은 그것들을 엮어 정말로 독특하고 아름다운 무언가를 만드는 것을 의미한다.” 실험적 정신은 스튜디오의 작업 방식에 필수적이다. 최근에는 핀란드 제조업체의 가공 목재 기판을 연구하고 있는데, 열과 압력이 목재를 돋보이게 부풀려 가죽으로 감싼 돋은 부조를 만든다.
A little background on the studio’s founder provides context for this approach. Amberg’s mother was an architect who worked with Alvar Aalto in Helsinki, while his father ran a lift and escalator firm. Tools lived in the house, and making was part of the family’s culture: “My mother had a huge old drawing board, and she would design it, and my dad would make it,” Amberg recalls.
이 방식의 맥락을 제공하는 창립자에 관한 약간의 배경 이야기가 있다. 앰버그의 어머니는 헬싱키에서 알바르 아랄토와 함께 일한 건축가였고, 아버지는 엘리베이터와 에스컬레이터 회사를 운영했다. 도구들은 집 안에 있었고, 만들기는 가족 문화의 일부였다. “나의 어머니는 거대한 낡은 도면대가 있었고, 그것을 설계하면 아버지가 만들어 주곤 했다,” 앰버그가 회상한다.
Geography mattered, too. The family hails from near Northampton, a leather town defined by hides and tanneries. “Leather was kind of everywhere when I was a boy,” he said. That ubiquity bred fluency. Amberg cut and stitched for fun, becoming increasingly familiar with his material’s possibilities and limitations. An apprenticeship in Australia deepened the practice, grounding him in the discipline, and a bag business followed, with shops in New York and Tokyo. But as fashion lurched toward speed, Amberg stepped away. “I was interested in making beautiful, lasting products that somebody would use every day and keep for the rest of their life,” he said.
지리적 맥락 역시 중요했다. 가족은 노샘프턴 부근의 가죽 도시에서 자랐다. “어렸을 때는 가죽이 거의 everywhere였다”고 그는 말한다. 그 보편성은 그의 유창함을 키워 주었다. 앰버그는 재미로 자르고 꿰매며 자신의 재료가 지니는 가능성과 한계에 점점 익숙해졌다. 호주에서의 견습이 이 실천을 더욱 깊게 했고, 그를 이 직업에 뿌리내리게 했다. 이후 가방 사업이 이어져 뉴욕과 도쿄에 매장이 생겼다. 그러나 패션이 속도로 기울자 그는 물러섰다. “나는 매일 사용하고 남겨둘 수 있는 아름답고 오래가는 제품을 만드는 데 관심이 있었다”고 그는 말한다.
The next step, architecture may seem like a leap, but with its inherently longer horizon, crafting spaces was a logical territory. The first commission — a leather floor in Kensington in 1986 — proved decisive. Though nearly 40 years have passed, “it still looks absolutely beautiful now,” Amberg notes.
다음 장으로 넘어가면, 건축은 도약처럼 들릴 수도 있지만, 본질적으로 더 긴 시야를 필요로 하는 영역이다. 공간을 다듬는 일은 이치에 맞는 영역이었다. 첫 의뢰는 1986년 켄싱턴의 가죽 바닥으로, 결정적인 계기가 되었다. 거의 40년이 지난 지금도 “여전히 아주 아름다워 보인다”고 앰버그는 말한다.
Today, the studio’s ethos is simple but radical: you design at the bench. “Sori Yanagi had a principle of designing through making,” Amberg said. “That’s the foundation of my principles now.” A drawing sparks the idea; prototypes test its truth; the hand resolves what the paper cannot. This cycle — iterative but physical — explains the studio’s unique ability to inextricably unite architectural thinking with craft.
오늘날 스튜디오의 에토스는 간단하지만 급진적이다: 벤치에서 설계한다. “소리 야나기(Sori Yanagi)는 ‘제작을 통해 설계한다’는 원칙을 가지고 있었다,” 앰버그가 말했다. “그것이 지금 내 원칙의 기초다.” 도면이 아이디어를 촉발하고, 프로토타입이 그 진실을 시험하며, 손이 종이가 해결하지 못하는 것을 해결한다. 이 반복적이되 물리적인 사이클은 건축적 사고와 수공예를 서로 얽히고 설키게 만드는 스튜디오만의 독특한 능력을 설명한다.
Through this approach, leather exceeds ornament, becoming an intelligent surface. The hides, vegetable-tanned in specialist Northern European tanneries, undergo a process that is deliberately slow: bark, water, patience. Amberg avoids plasticized finishes that alter the color but smother the texture in the process. You can pigment it, he warns, “but you are disguising all of the character, all of the grain.” Instead, he favors aniline dyeing, with which “you get a gorgeous depth of color, a gorgeous nuance of material.”
이런 접근을 통해 가죽은 더 이상 장식에 머무르지 않고 지능적인 표면이 된다. 표면가죽은 고급 북유럽의 제도용 태닝공장에서 식물성으로 태닝되며, 그 과정은 의도적으로 느리다: 껍질껍질의 껍질껍질 같은 나무껍질, 물, 인내. 앰버그는 색을 바꾸는 플라스틱성 마감은 피한다. 색을 입힐 수는 있지만, “그건 모든 특징과 곡물을 숨겨버리는 것이 된다”고 경고한다. 대신 아닐린염색을 선호하는데, 이는 색상의 깊이와 재료의 뉘앙스를 아름답게 드러낸다.
That commitment forces the supply chain toward higher welfare practices. “A happy cow has beautiful skin,” Amberg says. Imperfections cannot hide beneath coatings; provenance is visible. Variations in tone and structure, as well as varying depths to the grain, are further influenced by which parts of the animal hide — flank, shoulder — are used. “You start to think about that like a joiner would think about different grains of wood,” he remarks, hinting at an architectural reading of his material.
이러한 헌신은 공급망을 더 높은 복지 관행으로 이끈다. “행복한 소는 아름다운 피부를 가진다”고 앰버그는 말한다. 흠집은 코팅 아래에 숨겨질 수 없고 원산지 또한 보인다. 가죽의 톤과 조직의 차이, 그리고 곡물의 깊이가 달라지는 것은 사용되는 가죽 부위(옆구리, 어깨)에 따라 더 크게 좌우된다. “목재의 서로 다른 곡물처럼” 생각하기 시작한다는 그는 재료를 건축적 읽기로 해석하는 듯한 뉘앙스를 남긴다.
The argument for leather in architecture often defaults to luxury. (Can you imagine anything more sumptuous than the feeling of walking down a set of leather steps barefoot?) Yet Amberg counters with something more democratic: daily ritual. “Our senses need to be fed in a broader way,” as he put it, “the sensory fields are much more emotive than people imagine.”
건축에서의 가죽 사용은 종종 사치를 정당화하는 논거로 귀결되곤 한다. 맨발로 가죽 계단을 내려갈 때 느끼는 그 풍요로움보다 더 호화로운 것이 있을까? 그러나 앰버그는 더 민주적인 것을 제시한다: 일상적 의례다. “우리의 감각은 더 넓은 방식으로 자양을 필요로 한다,” 그가 말하듯, “감각적 영역은 사람들이 상상하는 것보다 훨씬 더 감정적이다.”
For clients wary of surface area, he proposes targeted intensity. “If designers can’t use too much of our material, we always say, do the touch points,” he said. Handrails, pulls, banquettes, desk edges — the places where the body meets the building. A narrow band of leather can recalibrate an entire room.
표면 공간에 대한 우려가 있는 클라이언트에게 그는 집중적 강도를 제시한다. “디자이너가 재료를 너무 많이 쓰지 못한다면, 우리는 항상 ‘터치 포인트’를 활용하라고 말한다,” 그는 말했다. 난간대, 당김 손잡이, 벤치, 책상 가장자리처럼 신체가 건물과 접하는 지점들이다. 가죽의 좁은 띠 하나가 공간 전체를 재조정할 수 있다.
For architects seeking interiors that feel richer without spectacle, the invitation is straightforward: treat leather as architecture, not an accent. Bring the maker in early and work alongside the craftsman, allowing them to extend and push detail. This is the type of collaboration that allows you to make something truly unique. Invite your clients to feel the difference.
화려함 없이도 더 풍요로운 인테리어를 원하면, 가죽을 건축으로 다루고 포인트가 아닌 구조로 다루는 단순한 초대다. 초기부터 제작자와 함께 일하고 장인과 함께 세부를 확장하고 밀어붙일 수 있도록 하라. 이것이 정말로 독특한 무언가를 만들어 내는 협업 방식이다. 고객들에게 차이를 직접 느껴보도록 초대하라.
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