The European Cultural Centre Italy has announced the finalists of the ECC Awards, presented as part of Personal Structures – Confluences, the eighth edition of its international contemporary exhibition, running in parallel with the Venice Art Biennale. Running in Venice from 9 May to 22 November 2026 across Palazzo Bembo, Palazzo Mora and the Marinaressa Gardens, the exhibition provides the backdrop for the awards, which celebrate artistic practices engaging with the show’s theme, Confluences, through research, interdisciplinarity and dialogue with place. The winners will be announced on 22 November 2026, during the exhibition’s closing event.
The ECC Awards are divided into five categories, each highlighting artistic practices that transform diversity into forms of connection, exchange and shared knowledge, placing research, interdisciplinarity and a deep sense of place at the heart of the Venetian context. These are: Artistic Interpretation of the Theme: Confluences, dedicated to practices engaging directly with the exhibition’s theme; Research & Curatorial Project, recognising research-based and archival practices; Cross-Disciplinary Project, bringing together practices that cross the fields of art, science and design; Emerging Practices, presenting new voices within the contemporary art scene; and Space & Context Project, focusing on site-specific and spatial interventions.
The selected projects come from 17 countries, including Japan, the United States, the Netherlands, China, South Korea, France, Pakistan, Nepal, Israel, Bahrain, Canada and the United Kingdom. The shortlisted projects will be evaluated by an international jury of professionals from the fields of contemporary art, curating, publishing and cultural institutions: Nargess Banks (United Kingdom), writer and Editorial Director specialising in art, design and visual culture; Jesús Alberto Flores (Mexico), cultural strategist supporting emerging artists and contemporary cultural initiatives; Rahul Gudipudi (India), Founder and Director of the ke—na— artists’ initiative; Euijung McGillis (Canada), Assistant Curator at the National Gallery of Canada; and Anouska Phizacklea (Australia), Director of the Museum of Australian Photography and former Co-President of the Melbourne Queer Film Festival.
Learn more about the shortlisted projects below, with descriptions provided by the organisation.
Artistic Interpretation of the Theme: Confluences
Relational Logic – Beyond Dualism, a World Reconnected / B-OWND
B-OWND은 예술, 공예 그리고 현대 기술 사이의 관계를 탐구하는 일본의 큐레이션 플랫폼으로, 예술과 공예, 기능성과 성찰 사이의 전통적 구분을 넘어섭니다. Personal Structures – Confluences의 맥락에서 프로젝트 Relational Logic – Beyond Dualism, a World Reconnected은 사람들, 재료, 맥락 간의 연결과 상호의존성을 바탕으로 예술 실천의 관계적 비전을 전개합니다. 2019년에 설립된 B-OWND는 디지털 도구와 블록체인 기술을 포함한 하이브리드 실천과 학제 간 협업을 국제적으로 촉진합니다.
nomos (cube Venezia) / Martha Russo
Martha Russo는 미국 출신의 작가로, 주로 도예를 기반으로 한 조각 및 설치 작업에서 물질, 지각, 자연 세계 사이의 관계를 탐구합니다. 그녀의 작업은 형태만이 아닌 감각적이고 몰입적인 경험을 이끄는 복합적 시각 생태계를 만들어냅니다. 프로젝트 nomos (cube Venezia)에서 그녀는 유기적 요소와 추상적 구조가 얽힌 대형 도자기 설치를 제시하여 공간과의 느리고 지각적인 상호작용을 유도합니다. Russo는 프린스턴 대학교에서 발달생물학과 심리학을 공부했고, 콜로라도 대학교 볼더에서 MFA를 취득했으며 현재 그곳에서 교수로 활동하고 있습니다.
Intimate Unthinkables / Adrian Parr Zaretsky and Liu Shiming
Adrian Parr Zaretsky와 Liu Shiming은 Liu Shiming 재단의 지원을 받아 Intimate Unthinkables를 선보이며, 서로 다른 지리적·문화적 맥락을 가로지르는 일상적 여성의 경험을 설치로 연결합니다. 이 프로젝트는 노동, 돌봄, 취약성, 저항을 시간과 장소를 초월하는 공통 언어로 탐구합니다. 이 작품은 중국 전통에 뿌리를 둔 Liu Shiming의 조각과 젠더 기반 폭력 및 사회적 변화를 다루는 A.Z의 현대적 실천을 결합합니다. Adrian Parr는 호주 출신의 철학자이자 예술가·학자로, 유네스코 물과 인간 거주지 분야의 의장을 맡고 있습니다. Liu Shiming(1926–2010)은 20세기 중국의 저명한 조각가 중 한 명이었습니다.
Selection of works from the series a moment we shared / G-sim Seyeon and BALC
일본의 현대 미술 갤러리 BALC은 제26회 ECC 어워드의 국제 작가들과 협업하여 베니스에서 G-sim Seyeon의 전시를 선보입니다. Seyeon은 회화와 공연적 제스처 사이에서 작업하는 대한민국 출신 작가로, 순간가능성의 탐구와 시간의 지각에 초점을 둡니다. 그의 실천은 과거, 현재, 미래가 하나의 민감한 흐름 속에서 교차하는 “순간”을 유연한 단위로 바라봅니다. 물질과 제스처의 회화를 통해 에너지, 변형, 불변성을 파동과 빛 같은 자연 현상과 연결된 역동적 이미지로 번역합니다. 그의 연구는 개인적 경험과 불교 사상에서 영감을 받은 현재의 순간에 대한 고찰에서 비롯됩니다.
Cross-Disciplinary Project
Carte de France Divisée en 86 départements and Asie Mineure / Stephens Tapestry Studio and William Kentridge
Breathing Light / A+N Studio
A+N Studio은 웰빙에 관한 연구를 바탕으로 물리심리와 조명 디자인을 감각적 체험으로 번역하는 객체와 설치물을 개발합니다. Breathing Light은 심호흡의 리듬을 공간적 체험으로 변환하는 연구에서 탄생한 빛의 발광 오브제로, 스트레스 감소와 마음챙김을 돕기 위한 상호작용적 조명 환경을 창출합니다. 이 프로젝트는 교육적 맥락에서 출발했으며 생리적 데이터를 참여 디자인과 결합합니다. A+N Studio는 네덜란드 디자이너 알리사 반 아세일돈크(Alissa van Asseldonk)와 니엔케 뱅거스(Nienke Bongers)가 설립했으며, 디자인, 연구 및 행동과학 분야를 아우르는 활동을 펼칩니다.
Becoming You / Geraldine Ondrizek & Shizuko Takahashi
미국 출신의 예술가 겸 교육자 Geraldine Ondrizek과 일본의 의사이자 싱가포르 국립대학교의 생명윤리 연구자 Shizuko Takahashi는 Becoming You를 통해 세포에서 출생에 이르는 인간 발달을 그림과 이야기로 시각화하는 예술-과학 프로젝트를 공동으로 제시합니다. 이들의 작업은 생물학적 과정을 일본식 두루마리에 그림으로 옮겨가며 유전학, 의학, 시각 언어를 결합합니다.
WE ARE INCONSOLABLE / ORLAN
ORLAN은 프랑스의 예술가이자 바디 아트와 퍼포먼스의 선구자로, 다학제적 실천을 통해 신체, 기술 및 디지털 매체의 교차점을 탐구합니다. 퍼포먼스 아트의 핵심 인물인 그녀는 인간의 몸을 예술적 매체로 활용해 정체성, 아름다움, 성별, 권력의 주제를 질문합니다. Personal Structures – Confluences를 위해 ORLAN은 AI가 생성한 이미지를 그림적 개입으로 결합한 WE ARE INCONSOLABLE를 선보이고, 고통과 분노를 비판적이고 정치적인 형식으로 전환합니다. 이 작업은 고통의 아이코노그래피를 시스템적 폭력과 권력 구조에 대한 저항의 행위로 재해석합니다.
Research & Curatorial Project
Tanka Tales: Thread as Archive / Mahwish Chishty
Mahwish Chishty는 Tanka Tales: Thread as Archive를 선보이며, 자수 수를 기억의 살아 있는 아카이브로 삼아 여성의 노동과 문화적 유산을 탐구하는 직물 설치를 제시합니다. 남아시아의 전통과 여성의 기술에 초점을 맞춘 그의 작업은 파키스탄 장인들을 참여시켜 텍스트와 실을 융합한 비선형 서사를 만들어냅니다. Mahwish Chishty는 미국에 거주하며 미니어처 페인팅, 설치 및 개념적 실천을 폭넓게 수행합니다.
ADEMA University School
ADEMA University School은 마요르카의 팔마에 위치한 명문 고등교육기관으로, 시각예술 프로그램 학생들의 연구, 실험 및 현대 이슈에 대한 비판적 성찰을 바탕으로 한 작품들을 선보입니다. 이들 작품은 사회적, 정치적, 환경적 주제를 다양한 언어와 재료를 통해 다루며 국제적 학술기관으로서 예술 생산과 교육에 강한 비중을 두고 있습니다.
Atlantis / Erika A. Kiss from Princeton Research Film Studio
프린스턴 연구영화스튜디오(Princeton Research Film Studio)는 에리카 A. 키스가 이끄는 연구 스튜디오로, 자동화와 인공지능 시대의 영화에 대해 탐구합니다. 몰입적이고 “수공예적” 차원의 움직이는 이미지를 되찾자는 제안을 하며, 설치와 투사 장치를 통해 철학, 과학, 시각적 스토리텔링을 결합합니다. 프린스턴 대학교의 연구 스튜디오인 Princeton Research Film Studio는 미국 뉴저지에 위치한 영화의 학제적 언어로서의 가능성을 탐구합니다.
Ester Hernández: An Ecological Memoir / Jennifer Garcia Peacock
Jennifer Garcia Peacock은 환경인문학 분야에서 활동하는 미국의 큐레이터이자 학자로, 차칸스(Chicanx) 및 라틴계 예술 실천에 초점을 맞춥니다. 그녀의 연구는 미술사, 문화연구, 환경 실천 간의 다리를 놓습니다. Ester Hernández의 생태 및 정치적 실천에 관한 시각적 기록을 만들기 위한 프로젝트를 제시하며, 아카이브 자료와 하이브리드 형태의 연구를 통해 예술, 환경 활동, 차칸스 기억의 교차점을 탐구합니다.
Emerging Practices
Quiet Between Us / Desmond Beach
Desmond Beach은 뉴욕을 기반으로 하는 작가이자 교육자로, 섬유, 퍼포먼스, 설치에 걸친 작업 활동을 펼칩니다. 그의 연구는 흑인 디아스포라의 인종적 폭력의 유산과 기억의 실천을 다루며, 영성 및 지역사회 전통에 영향을 받은 의례적 접근법을 예술 실천에 적용합니다.
Amelia Galgon
필라델피아에서 태어나 뉴욕에 거주하는 Amelia Galgon의 작업은 현대적 형상화와 판화 사이를 오가며, 퀴어한 신체와 가정 공간 사이의 관계를 탐구합니다. 가정 내부의 공간에 배치된 끊임없이 변하는 인물들을 통해, 퀴어 신체가 관례에 도전하고 신체와 그것이 담는 공간 간의 상호작용을 재정의하는 과정을 연구합니다. Galgon은 펜실베이니아주 Bethlehem의 Lehigh 대학교에서 예술과 컴퓨터과학을 이중 전공했으며, 2021년 Philadelphia Sketch Club의 수채화 우수상을 포함해 다수의 수상 이력이 있습니다.
Dream Museum / Oona Frost
Oona Frost는 설치, 팽창하는 조각, 인터랙티브 미디어를 활용해 자아, 작가적 책임, 그리고 가상적 미래를 탐구하는 네덜란드 작가입니다. 그녀의 연구는 인간의 진화, 신경가소성, 바이오해킹을 중심으로 과학과 신화적 상상을 엮으며, 작품의 중심에는 Dream Museum이 있습니다. 이 아카이브는 하이브리드 생물체와 포스트휴먼 시나리오를 담고 있으며, 관객이 몰입적 경험을 통해 신체, 기술, 의식 사이의 경계가 변화하는 모습을 탐구하도록 합니다.
Chhyake / Blurring the Lines and Jyoti Shrestha
Blurring the Lines은 Jyoti Shrestha의 작품 Chhyake를 통해 소개됩니다. 네팔 출신의 예술가이자 사진가인 Shrestha는 피부 질환으로 생긴 흉터를 “Chhyake”로 부르는 용어를 사용해 신체의 흔적을 기억의 기록으로 재해석합니다. 자화상, 콜라주, 서사적 실천을 통해 몸을 기억과 고통, 저항의 기록으로 엮습니다. 이 프로젝트는 사진과 텍스트를 교차시켜 회복력과 자기결정의 기록을 만들어냅니다.
Space & Context Project
The Forest for the Trees / Lynn Christine Kelly
캐나다 출신의 Lynn Christine Kelly는 자연과 지각 사이의 관계를 탐구하는 회화, 조각, 설치를 아우르는 예술가입니다. 그녀는 매달린 직물, 빛, 사운드를 통해 숲 생태계를 연상시키는 몰입형 환경을 만들어 관람 공간을 감각적이고 명상적인 체험으로 탈바꿈시킵니다. 작품 The Forest for the Trees는 숲을 지각적이고 상징적인 환경으로 재구성합니다. 그녀의 작업은 인간과 자연 간의 연결은 물론 풍경의 영적 차원도 탐구합니다.
Étoiles-en-Feu / Studio Waldemeyer
Studio Waldemeyer은 조명 예술과 몰입형 기술을 전문으로 하는 런던 기반 디자인 스튜디오로, 현장에 특화된 111개의 요소로 구성된 조명 설치를 선보이며 현관을 몰입형 체험으로 바꿉니다. 이 작업은 양초를 기억과 지각의 현대적 상징으로 재해석합니다.
Inhabited Created / Rashid Al Khalifa
Rashid Al Khalifa는 관통 가능한 격자 형태의 공간 설치를 구성하여 방문객이 이를 자유롭게 탐험하도록 만듭니다. 빛과 움직임을 작품의 핵심 요소로 전환하고, 현대 건축 및 사회 시스템에 대한 반영을 보여줍니다. 영국에서 교육을 받은 바 있는 바레인 출신의 예술가이자 후원자인 그는 RAK 아트 재단의 창립자이기도 합니다.
Holding the Fragments / Pnina Afik
Pnina Afik은 조각과 설치 작업을 하는 이스라엘의 다학제 아티스트로, 조각 재료로서는 철, 로프, 기술 직물 등을 활용해 기억의 파편성, 트라우마적 기억, 재구성 과정을 연구합니다. Holding the Fragments는 기억의 재구성을 불완전하고 능동적인 조립 과정으로 시각화합니다.
예술과 건축의 교차점에서 최근의 다른 프로젝트로는 Tatsuo Miyajima의 Sea of Time – TOHOKU라는 작품과 건축가 이타케 츄요시(ATTA)의 설계로 만들어진 Miyajima의 영구 박물관, Paris의 Streets 아트워크 JR의 대형 팽창형 동굴 설치, 그리고 Concéntrico라는 건축, 디자인 및 도시 실험의 대규모 연구소가 스페인 Logroño시에 24개의 국제적 실천가들의 설치물을 도시 곳곳에 배치한 점 등이 있습니다. 이들 프로젝트는 서로 다른 도시의 광장, 공터, 거리, 다리 및 상징적 공간에 분산되어 전시됩니다.
